Twitter
Följ sofiesord på Twitter
Facebook
Gilla ORD & TEXT på Facebook

Hen är här för att stanna.

Kivi & Monsterhund kommer ut på Olika förlag idag.

I mitt förra blogginlägg använde jag ordet hen. Jag ville berätta om en person som uttryckte en åsikt. Jag ville att åsikten skulle vara i centrum inte vilket kön personen hade. Därför valde jag att inte skriva hon eller han utan använda det neutrala ordet hen.

Jag är övertygad om att om jag beskrivit personen med ett kön, hade läsarna gjort sig bilder av personen utifrån detta. Hon och han ger oss associationer mer eller mindre medvetet om personers egenskaper. Ofta är bilderna vi får helt irrelevanta.

Hittills har jag bara fått positiva reaktioner på att jag använde ordet, som museikollegan som äntligen förstod hur ordet kunde användas.

Men det är uppenbart att ordet hen väcker känslor. Idag släpps en ny barnbok som genomgående använder ordet hen, Kivi och Monsterhund (Olika förlag), och boken har redan genererat massor av artiklar och kommentarer. Häromdagen skrev Karin Milles, docent i svenska tillsammans med företrädare för Olika förlag, Karin Salmson och Marie Tomicic, en debattartikel i Svenska Dagbladet att det behövs ett nytt ord i svenska språket. De skriver bland annat att ”särskiljandet av kön ger negativa konsekvenser för båda individ och samhälle och att en friare inställning utan lika stark könsindoktrinering skulle ge en bättre framtid.”

Artikeln har fått nära 1000 kommentarer i skrivande stund och mängder av bloggare kommenterar artikeln och användningen av ordet. En del är positiva. Andra tror att språk inte kan förändra världen. Och ytterligare några, (för övrigt ganska välbekanta kritiker av allt vad feminism och jämställhet står för) oroar sig över att ordet är till för att sudda ut könsskillnader.

Jag välkomnar användningen av hen eftersom det ger mig möjligheter att berätta sådant som inte nödvändigtvis är kopplat till kön. Jag ser att fokus på kön ibland står i vägen för det jag egentligen vill berätta och då ser jag hen som ett bra sätt att komma runt det.

Jag undrar vilket museum som blir först med att använda hen i en utställningstext.

Om Lust och Last och att välja perspektiv

Nationalmuseum gör en utställning om sex och publiken strömmar till. Recensioner och debattartiklar låter inte heller vänta på sig. Jag går också dit så klart. Jag är framför allt nyfiken på hur en stor statlig myndighet väljer att ta sig an diskussionen kring sexualitet, normer och konst i en utställning. Jag försöker vara sansad i mina förväntningar och avstår från att läsa recensioner innan jag går dit. Men jag vet att de flesta som sett den inte varit oberörda.

Museet visar en introduktionsfilm till utställningen. Inte många av besökarna kommer in medan jag sitter där. Det är jag och tre män. Filmen berättar bland annat att utställningen Lust och Last inte ger en heltäckande bild av den erotiska konsten från 1500-talet och framåt. Därmed gör filmen intryck av att vara en brasklapp, men den gör också museet till tydlig aktör i sin utställning. Den berättar att de har valt ett perspektiv.

Nationalmuseets salar är stora och det är svårt att få en överblick av utställningen från början. Texterna i utställningen är tryckta i rosa på vit bakgrund. Rosa är säkert inget slumpval. Nationalmuseum vill säga att de har valt ett feministiskt perspektiv i utställningen. Museet har delat in utställningen i olika teman. Några av rubrikerna är: Med hull och hår, Venus – olympens femme fatale, Mellan dygd och last, Oskuld eller?, Stadens baksida-prostitution, betraktaren som smygtittare, privatliv och intimitet. Utställningen blandar nya och gamla verk. En del verk har en längre förklarande text, medan andra bara visas med verkets och konstnärens namn.

Museets feminsistiska infallsvinklar tydliggörs framför allt genom två olika perspektiv i utställningen. Det första är att visa på det starka idealet med gammal man trånar efter/gifter sig med/avgudar/förälskar sig i, ung oskuldsfull flicka. Museet tydliggör hur detta ideal har funnits under väldigt lång tid och på sätt och vis även är giltigt idag.

Det andra är frågan kring vem som är betraktare och vem som är objekt. Det är möjligen en gammal fråga inom konsten, men Nationalmuseum väljer att visa hur det blir extra tydligt i den erotiska konsten. Många moderna verk i utställningen refererar till den här frågan, men även flera äldre verk. Det mest tydliga är väl Martin van Meytens Knäböjande nunna som också har blivit omslagsflicka för utställningen (om än i censurerad form). Men frågan finns även med i verk som Cecilia Parsbergs I can see you but you can’t see me liksom i några av museets texter.

Det perspektiv Nationalmuseum valt kan självklart diskuteras (det görs också av t.ex. Malin Hedlin Hayden och Jessica Sjöholm Skrubbe, forskarassistenter vid Konstvetenskapliga institutionen, Stockholm universitet i DN). Det är dessutom intressant att lyfta att museet valt att göra sig själva och sitt perspektiv så pass tydligt i utställningen.

En besökare i utställningen hördes kommentera utställningens perspektiv: ”Det är ju mycket tolkning, en modern tolkning som kanske inte stämmer överens med konstnärens.” Hon verkade sakna perspektivet av konstnären. Malin Hedlin Hayden och Jessica Sjöholm Skrubbe saknar ett bredare normkritiskt perspektiv. De hävdar också att när konst hamnar på institution så strippas den på ideologiskt innehåll. Ja, den strippas på innehåll, men den fylls också med ett annat, en tolkning av konsten i relation till andra verk och i relation till hur museet väljer att visa konsten.

I museibranschen har det under många års tid funnits en diskussion kring huruvida museerna ska ta ställning, provocera och göra utställningar med budskap, eller om de på ett mer traditionellt sätt ska visa sina föremål och konstverk så som de är.

Jag tillhör de som tycker museerna ska ta ställning och välja perspektiv. Anledningen till det är att även ett ”icke-ställningstagande” är ett perspektiv. Även en utställning som ger sig ut för att neutralt visa historien från A – Ö har valt ett perspektiv. Därför är det extremt viktigt att vara tydlig med vilket perspektiv utställningsproducenten väljer. Detta sätt att jobba kräver också en speciell kompetens hos museernas personal och eventuella samarbetsparter. Det kräver också mod från museiledningar. Det finns också risker med det sättet att arbeta. Riskerna är att viktiga perspektiv inte kommer med. Det finns också en stor risk att en del personer blir upprörda över utställningarna.

När det gäller Lust och Last har Nationalmuseum verkligen valt ett perspektiv. Därmed har de också valt bort andra. De är också tydliga med sitt val och museet blir på sätt och vis en aktör i utställningen. En del upprörs över det. En del tycker det blir politiskt korrekt. Jag kan tycka att utställningen i det här fallet har blivit aningen plattare som helhet än vissa av verken i sig. Men däremot tycker jag det är lovvärt att stora statliga Nationalmuseum vågar ta i ett svårt ämne. Det är också intressant att de genom att ta sig an detta ämne bidrar till en större debatt i samhället om normer och ideal. Även om de inte lyckas säga allt, har de lyft en fråga och fått igång ett samtal. Det om något, är en otroligt viktig uppgift för museer i Sverige idag.

Konsten att vara nytänkande

Den 20 oktober invigde Dunkers Kulturhus utställningen Konsten att bli kung. Öppningen föregicks bland annat av en kampanj på Twitter och Facebook där museet delade med sig av Jean Baptiste Bernadottes bästa tips för att bli kung (eller museets tolkning av dessa). Det kändes modernt och nytänkande för ett museum och skapade förväntningar på en modern och nytänkande utställning. På några sätt är utställningen också modern och nytänkande, men på många sätt blir den ändå gammaldags och traditionell trots ambitioner att vara något nytt.

Utställningsinteriör med porträtt av Karl XIV Johan, foto: Wiveka Krantz

Utställningen Konsten att bli kung består av två delar, en del som handlar om Jean Baptiste Bernadottes liv innan han kom till Sverige för 200 år sedan och en del som handlar om hur han sen gjorde för att bli kung. I den första delen av utställningen vill museet sätta in Jean Baptiste Bernadotte i det historiska sammanhang som leder fram till att han blir kung i Sverige. Besökaren förs framåt i gångar, där det faktiskt är i stort sett omöjligt att gå fel, trots att museet kallar denna del för labyrint.

Texterna i utställningens första del är koncentrerade till svarta tavlor på väggarna. Besökaren får även lyssna till en berättarröst via en audioguide. Det är tydligt att museet har valt ett perspektiv och är konsekventa och tydliga med det. Texterna och berättarrösten stämmer väl ihop med form och föremål och har ett enkelt och modernt språk.

Föremålen i utställningen exponeras i montrar utan förklarande texter. I stället är de invävda i berättelsen i audioguiden. I den första delen av utställningen finns också ett befriande inslag, en leranimation av Moa Lönn, som både bokstavligt och bildligt tar ner en kunglighet från sina höga hästar.

Den andra delen av utställningen är ljus, vilket är relativt ovanligt i utställningar. På golvet i utställningens centrum har museet placerat en ritning i naturlig storlek av den båt som tog Jean Baptiste över sundet för att bli Karl XIV Johan. På sidorna finns nischer avgränsade av tygstycken som belyser olika aspekter av konsten att bli kung. Det är denna del som jag som besökare väntat på. I ingången till denna del byter berättarrösten perspektiv och talar i du-form för ett ögonblick. Syftet är att jag ska identifiera mig med den blivande kungen och fundera på hur jag skulle gjort om jag skulle bli kung. Men som kvinna har jag svårt att identifiera mig med att försöka bli kung. I stället uppfattar jag att berättarrösten talar till Jean Baptiste, vilket ironiskt nog distanserar honom från mig och höjer honom.

Interiör. Foto Wiveka Krantz

Dunkers har satsat stort på den här utställningen. De vill sätta in en kung i ett större sammanhang och samtidigt koppla en historisk händelse till samhällsaktuella ämnen idag. De samhällsaktuella ämnen som de relaterar till är bland annat flodvågskatastrofen för sex år sedan och Jan Danielsson-skandalen i dess efterdyningar. ”Minskad konstitutionell makt är inte detsamma som minskat inflytande.” står det på en skylt under nuvarande kungens tal vid minnesgudstjänsten efter Tsunamin. Och på väggen: ”Att ta makten från kungen är inte detsamma som att ta makten över Sverige.” Men vad vill de egentligen med dessa kommentarer?

På ett ställe i utställningen säger berättarrösten att kvinnors villkor under Jean Babtistes tid hade kunnat fylla en utställning i sig. Varför gör de inte det då? Varför väljer de att att berätta männens och segrarnas historia – igen?

På ytan kan utställningen sägas handla om en vanlig mans väg till tronen i Sverige. Vad säger den mer? Den första delen i utställningen skapar en känsla av oundviklighet, nästan som att Bernadottes öde var förutbestämt (vi vet ju hur det slutade). Andra delen försöker göra Jean Baptiste till ett modernt PR-geni. Utställningens grundtanke bygger på själva landstigningen i Helsingborg som han gjorde 1810 och som museet vill uppmärksamma med utställningen. Landstigingen görs till en rit de passage som Jean Baptiste Bernadotte genomgår när han blir kung. Den stora berättelsen blir inte annat än ett berättigande av kungahuset och monarkin och en upprepning av en maskulin historieskrivning.

Landstigningen, foto: Sven-Olov Larsén, Helsingborgs museer

Allt i utställningen pekar mot det besökaren antagligen vet från början. Jean Baptiste Bernadotte blev kung i Sverige. Han blir anfader till dagens kungahus. Utställningen placerar Jean Baptiste på en kunglig piedestal. Den berättar ingenting om vanliga människor 1810, om maktmissbruket som onekligen accompanjerade hans väg till tronen eller om de kvinnor som levde samtidigt för den delen. Den saknar maktperspektivet helt, annat än i relation till medial makt genom den medvetna strävan mot makten som JBB sägs göra. En utställning om en makthavare som saknar maktperspektiv år 2010 känns inte särskilt modern och nytänkande. Tyvärr.

Kom igen museer! Öppna upp!

I onsdags var jag på seminarium på Världskulturmuseet i Göteborg. Det handlade om museernas roll när det gäller normer i samhället och om museerna har möjlighet att påverka dessa normer genom sina utställningar. Rubriken var Gör museer skillnad?

Jag kände igen många av frågorna och de dilemman som just nu är aktuella bland utställare. För några år sedan var jag projektledare på Malmö Museer. Mitt uppdrag var att skapa en utställning tillsammans med romska föreningar och organisationer om romernas historia och situation i Sverige. I det arbetet ställdes ofta olika normer mot varandra. Museet hade en jämställdhetspolicy och tyckte det var viktigt med kvinnlig representation i projektgruppen. De romska representanterna i arbetsgruppen var bara män. Vi startade en kvinnogrupp, men den hamnade vid sidan av. Det var i arbetsgruppen som viktiga beslut fattades. Vad hade hänt om kvinnogruppen gjordes till ordinarie arbetsgrupp? Varför utsågs inte fler kvinnor till representanter i arbetsgruppen?

Malmö Museer ville ställa ut ett skelett av en romsk man. Hans kvarlevor fanns på Historiska museet i Lund i den anatomiska samlingen. Där har många mänskliga kvarlevor samlats, efter fångar vars kroppar aldrig hämtats av några anhöriga. Romska arbetsgruppen ville inte ställa ut. Och Historiska museet ville inte låna ut skelettet eftersom de var rädda för krav på repatriering, dvs att nuvarande anhöriga ska kräva tillbaka kvarlevorna. Skelettet ställdes inte ut. Däremot ställde vi frågan om vad som är möjligt i en utställning. I rummet intill romska utställningen visades ett 1000-årigt skelett från en grav utanför Malmö. Är det åldern på kvarlevorna som ska avgöra? Eller om det finns släktingar i livet? Eller är det sammanhanget som de ställs ut i? Vem ska avgöra?

I en annan utställning som jag var projektledare för, Leva i två världar, arbetade vi tillsammans med unga samer, romer och judar. I den utställningen lät vi de unga helt och hållet ta fram innehållet i utställningen. De fick stöd av institutionerna bakom (Malmö Museer, Riksutställningar, Samiskt informationscentrum och Judiska museet i Stockholm) och överallt gjorde vi tydligt vem som var avsändare.

Att bjuda in aktörer utifrån för att ta fram innehållet i en utställning, vare sig det handlar om konstnärer eller representanter för en förening, har blivit allt vanligare på museer. Historiska museet i Stockholm gjorde det i stor utsträckning i Maria – drömmen om kvinnan som behandlades på seminariet på Världskulturmuseet. Riksutställningars förnyade uppdrag handlar också mycket om att samarbeta snarare än att själva producera.

När jag sitter på seminariet i Göteborg undrar jag ändå om tanken att bjuda in personer utifrån till museerna blir ett sätt att slippa ta ställning. Jag har under några år arbetat med annat än direkt utställningsproduktion och när jag nu gick in i den världen igen tyckte jag mig ana en ängslighet bland museifolket. Jag kan inte riktigt sätta fingret på vad det handlar om, men två iakttagelser kan jag berätta om. Det ena är tilltron till forskare. Museifolket lyssnar snällt och försöker anpassa sig. Jag undrar om inte det ständiga ifrågasättandet av sig själva inom museivärlden gör det svårt att göra något praktiskt, och det som görs tenderar att tilltala samma gamla målgrupp som alltid tilltalas (vit, medelklass, akademiker, kvinnor).

Det andra är en slutenhet inom branschen. Jag ville gärna hinna prata med så många som möjligt i pauserna, knyta nya kontakter och kanske hitta spännande samarbeten. Men det fanns väldigt lite utrymme för det. De försök jag gjorde möttes av ryggar och stressat fingrande på mobiltelefoner.

Om museer ska fortsätta vara relevanta och bli intressanta för fler människor och verkligen göra skillnad, måste de fortsätta arbetet med att öppna upp sig. De får inte vara så rädda för att göra fel (jämfört med senaste forskningsrönen) att de inte gör någonting alls. Visst måste de reflektera och göra medvetna val, men sluta inte agera för det.

Våga! Testa! Gör!

Seminariet arrangerades av Riksutställningar och Museum Forum vid Göteborgs Universitet, Institutionen för Globala Studier

Om bildspråk, utställningstexter och poesi

Jag deltar just nu i en skrivarcirkel. I cirkeln skriver vi prosa och poesi och ger sedan respons på varandras texter. Den här veckan handlar det om att skriva en dikt och fokusera på bildspråk, alltså på metaforer och liknelser. I poesins värld är bilderna som vi förmedlar med texten viktiga. En bra poet måste kunna variera sitt bildspråk så att hon undviker klyschor eller utnötta fraser. Vissa fraser är så utnötta att de blir löjliga. Dina ögon är som brunnar att drunka i, är en klassiker som ingen tar på allvar längre.

Mitt förhållande till metaforer är komplicerat. Det är roligt att leka med metaforer. Det är spännande att hitta på nya kombinationer av ord som jag inte prövat tidigare. Men bildspråk är också lurigt. Det gäller särskilt när jag vill vara säker på att folk förstår det jag skriver eller säger.

Jag jobbade för några år sedan med något som heter Kontaktpersonverksamheten (hopplöst långt ord). Där var mitt uppdrag att matcha nyanlända invandrare med etablerade malmöbor så att de kunde träffas, prata och utbyta erfarenheter med varandra. Jag var ofta ute och berättade om möjligheten att få en kontaktperson för nyanlända. Det hände många gånger att jag måste förklara att en kontaktperson inte hade med eluttag i väggen att göra. Och faktiskt hände det ibland att infödda svenskar också missförstod vad det handlade om när vi undrade om de ville ha nya kontakter?

Att skriva texter som folk förstår handlar i stället om att försöka skriva konkret. Det är inte alltid lätt, men oftast går det om man tänker efter lite extra. Det kan till och med löna sig genom att man undviker att använda slitna ord som alla redan använt.

Ibland ser man på företags hemsidor formuleringar som den här: Vi fokuserar på helheten och erbjuder både anpassade samt paketerade lösningar för att alltid sätta slutanvändaren i centrum.

Med en sådan formulering måste läsaren gissa vad företaget menar. Kanske går det bra att gissa för någon som är van att tolka text. Men om företaget vill vara säker på att få fram sitt budskap är det bättre att vara konkret och skriva precis det som de vill att läsaren ska få reda på om dem, och inget annat.

Ett annat tillfälle när det kan löna sig att vara konkret är i utställningstexter. En utställningstext måste tala till sin läsare direkt, medan hon faktiskt står upp och troligen är på väg vidare. Texten måste också hänga ihop med och driva på berättelsen i hela utställningen. Då är det viktigt att texten berättar precis just det som besökaren behöver veta just där och då, och inget annat. Att skriva utställningstexter som fungerar, är nästan en konstform i sig, i alla fall när det utförs riktigt bra. Och då kan det konkreta till och med bli poetiskt.

Precis som det är viktigt att fundera över för vem du skriver, är det viktigt att fundera över sammanhanget du skriver för. Det lönar sig nästan alltid att vara konkret, och spara på metaforerna. Vill du skriva många metaforer är det bättre att gå med i en skrivarcirkel i poesi!